Aire Colombiano / Estefanía Tapasco García

Cuando un artista se detiene a pensar sobre qué hacer para expresar por medio de la imagen lo que siente, piensa y cree entra en una gran confusión y tráfico de ideas en la mente, hacer este proceso no es fácil, donde la exigencia, la disciplina y el inconformismo nos lleva a pensar en hacer y ser perfectos, cualidad que nunca se alcanza por más elaboración técnica que posea la obra. Cada minuto que pasa podemos percibir el constante nacimiento de una obra de arte, queriendo referirse a todo en general, como por ejemplo: un bebé, un árbol, una flor, un amanecer, un sentimiento, una idea, una sonrisa, una estrella, un gracias, un instrumento, un cuadro, un talento, entre muchas cosas más que siempre están ahí para salir a la luz y mostrar su belleza única. Todos en el mundo tenemos personalidades y puntos de vista distintos, en este caso, hablando de la vida, está el grupo de quienes no perciben todos estos cambios y detalles que tiene la naturaleza, y está el otro grupo que cada segundo admiran lo que ocurre, lo que ven y lo que tienen sin dejar escapar momento alguno que les robe su atención.

La artista quiso expresar por medio de este dibujo todo aquello que una gran parte de personas no logran detectar: lo intangible (sensaciones producidas por la música) queriendo transmitir todo ese sentimiento y revoltura de emociones que se producen en el cuerpo por medio de la música, uno de sus temas centrales de su inspiración, meditación y reflexión, pues ese inquieto mundo de esta artista le grita que debe sacar este sentimiento, poniendo su mente a volar y a vivir grandes explosiones de ideas que viajan a la velocidad de la luz, con grandes cargas de pasión, fantasía y fuerza con un inicio confuso pero con un final claro que habla a través de la imagen.

 CARACTERÍSTICAS DE LA OBRA

NOMBRE: Aire Colombiano

TÉCNICA: Lápiz Grafito, Acuarela y Lápices de Color sobre papel acuarela

MEDIDAS: 48×29 cm

La obra se compone de un Tiple en perspectiva que tiene dentro una escena romántica (Pareja sentada en la silla) y un árbol de raíces grandes en lápiz, de la boca del tiple salen algunas ramas del árbol en color, una especie de siluetas de colores en movimiento que tienen fluidez y delicadeza, en medio de estos colores que muestran algo de tridimensional se encuentran la cabeza de un Tiple y los compases 16, 17, 18 y 19 de la obra “Despasillo por favor” (Pasillo, compositor: Lucas Saboya Gonzales) con sus respectivos símbolos musicales, en el fondo se encuentra plasmada una sombra dando un poco la ilusión de que la luz viene de atrás, por este motivo deja el fondo superior en blanco mostrando esa tranquilidad mental y luz brillante sobre la que resaltan esos colores tan vivos.

El tema principal de la obra es la música en general pero para ser más específica está inspirada en el Tiple, instrumento que interpreta como actividad extracurricular, lo utiliza para expresar por medio de este todo lo que se siente cuando se hace música ya que es a lo que ella está más conectada y con el que vive en el día a día haciendo parte de su vida a cada segundo. Su gran acercamiento y relación profunda que tiene con el Tiple la transportan a una cantidad de emociones efusivas y le permiten representar con tanta seguridad lo que dibujó. Quiso mostrar ese mundo desconocido que habita en la caja de resonancia y de donde sale todo el sonido que este produce, un sonido natural, coqueto, juguetón,  fiestero y romántico, por eso puso una pareja que se siente que están enamorados. Tal vez parezca raro ver un árbol dentro de un Tiple pero lo colocó porque este árbol es la esencia y la fuente de toda esta maravilla, el árbol nos muestra la naturaleza que tiene este instrumento desde su nacimiento hasta su sonoridad, esta unión de estos dos elementos nos dice que la música no solamente se reproduce en un instrumento sino también en la naturaleza por medio del trinar de las hojas con el viento, los armónicos y punteos con las gotas de lluvia, el ritmo con los ríos y mares y sus lindos detalles e intervenciones puntuales con el cantar de los pájaros.

El Tiple lo hizo sin cuerdas porque el simple misterio que lleva dentro lo hace cantar por sí solo así como lo explicó en lo anterior refiriéndose a la naturaleza, misterio y mundo que casi nadie percibe. Lo pinto a lápiz, porque lo convierte en un mundo de escala de grises que cuando sale explota de colores, es eso que está dormido y oculto pero que cuando despierta muestra su particularidad. El árbol lo dibujó con sus raíces bastante grandes para que mostraran esa fuerza e imponencia que tiene la naturaleza (Por ser más fuerte que el hombre, capaz de hacer cosas impactantes) y la música sobre nosotros por habitar todos los espacios en lo que vivimos.

Aparte de encontrar un árbol, encontramos una silla con una pareja que muestra la afectividad que se puede producir por medio de la música, ya sea con una persona y con el mismo instrumento, pues solo aquellos que son músicos pueden hablar seriamente sobre el sentimiento que se logra alcanzar al relacionarse con el instrumento tan íntimamente, este símbolo fue colocado por algo más personal porque por medio de la música aprendió muchas cosas frente a este sentimiento que expresan estos dos protagonistas, el amor; esas cosas aprendidas fueron muy significantes en su vida tanto positiva como negativamente y esta última la representó en el corte que se ve de uno de los tallos del árbol, representando ese dolor y cicatrices (internas y externas) que se quedan en todas las personas y que siempre traen a la mente el recuerdo respectivo.

Se puede observar que cuando sale el resto de elementos son de color y con mucho movimiento mostrando así el ambiente de serenidad, alegría y paz que se percibe al mirar la obra. Casi todos los elementos salen por la boca pero hay una sola ramita que se asoma por un lado demostrando la inquietante vida que tiene dentro y el desespero por querer salir a cantar por cualquier lado que encuentre, muestra el desespero de la música por interpretar lo que siente y el grito de tristeza que hace en particular nuestra música andina Colombiana, que se ha perdido por la apropiación de nuevas modas extranjeras olvidando nuestra verdadera tradición. 

David Puerta Zuluaga en su libro “Los Caminos del Tiple” dice que: “...El tiple ha ido perdiéndose paulatinamente de los medios masivos de comunicación. Cada vez con menor frecuencia se escucha su sonido por la radio o la televisión. La industria disquera, que anualmente publica millares de títulos, sólo ha entregado al mercado una veintena de discos de tiple en medio siglo. Los esfuerzos de las instituciones oficiales por promover concursos, recitales y festivales, se desvanecen ante la falta de presupuestos. El magnetismo de las músicas electrizadas y extranjerizantes socava los valores tradicionales y obtura los caminos del tiple, en batallas que parecen irremediablemente perdidas. Por eso se está expidiendo partida de defunción a un instrumento que nunca tuvo cédula de ciudadanía. Y ha llegado a afirmarse que el tiple es una especie en extinción, como las focas polares o las gentes honradas. Pero esta situación no es nueva y será superada como siempre se ha hecho...".

La boca como eje central de donde brota toda la esencia, libera las siluetas de colores y un pentagrama, estos colores danzan en el aire desplegando una cantidad de emociones, todas las que se puedan sentir al observar la obra y al escuchar buena música, representa todo tipo de sentimiento que se logre detectar en nuestro organismo, con la libertad de que cada uno pueda sentir algo diferente, es un símbolo de no solo una mezcla de sensaciones sino también de personalidades, pensamientos y reacciones, también es esa armonía dulce que nace con la mezcla de notas musicales y que van creando de manera intangible una historia que está detrás de cada nota, como si cada una de ellas fueran las sílabas que forman las palabras, a su vez las palabras que forman la letra y las letras que canta el Tiple, en sí es la representación de los colores musicales (refiriéndome a lo académico) y las sensaciones que generan una melodía.

El pentagrama que colocó dentro de estos colores es un pequeño fragmento que consta de 4 compases de un pasillo titulado “Despasillo por favor” del cual es compositor el maestro Lucas Saboya González, él es un gran tiplista, arreglista, compositor e integrante del trío Palos y Cuerdas, un trío muy representativo a nivel mundial de la música Colombiana; este pasillo es una obra contemporánea con tendencias al Jazz y original para violín y guitarra, este es una melodía tranquila, inspirada en el pasillo lento generando una conexión subjetiva del ser humano con una melodía tierna. Se puede notar que el pentagrama empieza pequeño pero a medida que sube va creciendo en símbolo de que continua y que cada vez más se acerca para tocar nuestros sentimientos.   

Como último elemento encontramos sumergida la cabeza del Tiple que fue puesta por tres razones, una porque sino la colocaba esto podría ser cualquier instrumento, la segunda razón porque tiene un valor sentimental grande y tercero porque es la cabeza de donde se maneja la afinación, sin esta no habría un buen sonido, es la parte más importante, de la que depende el sonido agradable del Tiple, es el centro, el punto eje, es el sistema principal de todas sus partes así mismo como sucede con nosotros, nuestro motor es la cabeza.  La cabeza del Tiple tiene marcada una palabra en la parte de arriba, esa palabra es “Tefa”, esta es una abreviación de su nombre y es aquí donde viene ese valor sentimental, pues es la representación de su Tiple un símbolo del esfuerzo de su familia y el de ella para obtener dicha riqueza, en su Tiple ve plasmadas muchas metas que quiere alcanzar y que le dan la fuerza para seguir luchando, le dan el arranque para no rendirme, le dan esa afinación para sonar bien. No es tan evidente la cabeza dibujada, para no darle mucho peso a la obra y dejar que se confunda con el pentagrama haciendo de manera liviana una búsqueda en la mirada del observador.

Para concluir quisiera compartir un fragmento que el Ingeniero Civil, tiplista y escritor David Puerta Zuluaga como antes lo mencioné nos escribe: “…El Tiple es un personaje netamente Colombiano, andariego y proletario, con arterias de alambre y corazón de madera; hijo de padre desconocido, que nació en algún lugar de nuestra geografía Andina; creció entre los más humildes: Mineros, Campesinos, Arrieros, Artesanos; nunca, durante su infancia, fue invitado a una fiesta de alcurnia; no podía entrar a las casas de la gente bien; hasta hubo párrocos que lo expulsaron de sus iglesias... Pero el tiple no se dejó abatir. Por el contrario se metió en el alma colectiva, ayudó a los comuneros en su grito, acompañó a los libertadores en sus jornadas emancipadoras, se convirtió en el compañero de bodas, serenatas, fiestas y despechos; se incrustó en la vida de la nación como símbolo y anclaje de la Colombianidad."

ANEXO

Esta es la obra incluida en la obra.

Soledad / Flor Inés González Trejos

Soledad, así anunciada, elaborada en una circunstancia desfavorable era la incertidumbre, la impaciencia la inmortalidad de los sentidos, el desasosiego del alma pero la libertad de todo lo perdido, hay momentos para escribir, hay momentos para pintar, hay momentos para soñar hay momentos para gritar, para llorar y este es uno de esos momentos para buscar huir.

Flor Inés González Trejos

70x50cm

Pastel sepia sobre papel

Soledad

Flor  Inés González Trejos

Ocurre en un espacio cerrado,  hay una mujer desnuda en la parte derecha, dando la espalda sin mostrar su rostro que dentro de su connotación muestra su significado más ligado a lo mímico, una ventana por la cual entra una espesa luz, iluminando el resto de la escena, el ropaje del personaje, tirado en un suelo rígido, especie de tabla donde hablan códigos, hablan signos, que posiblemente algún día hemos vivido, esto en cuanto a la imagen escénica.

El espacio cerrado dentro de la imagen laberinto son las limitaciones que existen y se encierran dentro de lo sumamente imposible, las aberraciones del cuerpo humano, los desprendimientos que creemos irrealizables, las culpas, la libertad que a menudo es reclamada,  allí dentro de un sitio que solo por pequeñas cornisas entra la luz que aclama fuertemente el despojo de todo. Solo es así como verdaderamente desnudamos nuestro ser, solos apartados, enclaustrados donde nadie interrumpa nuestra soledad es donde verdaderamente somos fieles a nosotros mismos, es lo que se quiere representar con él.

La encarnadura humana que allí está presente a través de una joven desnuda, y como en algunas culturas o religiones, vemos el cuerpo como el templo del alma, y esto es reconocido semiológicamente como un símbolo, pero la representación de este cuerpo se quiere hacer inmaterial, es decir el alma, que también siente y tiene capacidad de pensar, deja atrás todas sus pertenencias, da claridad del sentido, el verdadero amor, que no es lo meramente palpable, dejando todo a las espaldas no solamente la ropa que es una investidura de toda mentira, es una irregularidad de los emociones, hoy anhelamos vestir mañana, codiciamos quitarnos la ropa rápidamente, sino que también desea dejar recuerdos que están en la cabeza cuando deseamos huir, y se representan a través de los zapatos.

Los zapatos como significado de lo psicológico es el cambio, la renovación de los viejos caminos, es el deseo de dejar de caminar o de borrar huellas que se  han dejado plasmadas con el pasar del tiempo, ellos en primer plano, son muy masculinos posiblemente mostrando un carácter fuerte del personaje, que a pesar de su suave cuerpo lo que se quiere transmitir es la resistencia humana tanto física como emocional, somos firmes ante las obstinaciones, el rechazo, los cambios sociales, las ofensas, como cuando vemos un zapato viejo, denotativamente decimos que es algo ya muy usado algo que simplemente lo caracterizamos como un objeto cotidiano, pero connotativamente se quiere representar al zapato como una alma ya gastada de reciclar emociones, que ya está cansado de ensuciar pisos, y sus agajes son de las más profundas heridas a causa de las mala pasiones, y sin embargo sigue firme.

El color, es lo más inconsciente de la obra pero, ya había hablado de temores, la depresión, las culpas  y la verdad, este color sepia lo convierte en melancólico y triste, aunque se quiera transmitir fuerza, es como un especie de memorias o de película que recordamos. O como cuando nos sentimos vivir sepia, todo es nublado y con poca claridad.

La obra es un episodio, que da aires liberalices no causa tanto impacto, pero deja la sensación de irse a desnudar, gritar y correr.  

Eso Que Nos Da Valor / Adrian Montoya

Introducción

En esta edición, nos disponemos a dar un recorrido por una de las obras más conocidas del ilustrador John Adrian Montoya alias “AdrianshoW”, llamada “Eso que nos da el valor”, esta obra al parecer aun no ha sido terminada ya que el autor siempre añade o retira objetos buscando una composición que le permita expresar claramente su forma de ver las cosas.

Esta obra ha sido una de las mejor apreciadas gracias al valor simbólico que el ilustrador  ha ido plasmando con el tiempo. Por lo general, en las ilustraciones de AdrianshoW hay que pensar como un niño para poder captar la idea central, esto además, es otra de las tantas cosas que caracterizan su obra, que estas de cierto modo nos transforman en niños otra vez y nos inducen a recordar aquellas épocas de inocencia y felicidad eterna, pero esta es algo extraña y diferente comparada con las otras ya que esta al parecer hay que hacer todo lo contrario para entenderla, algunas personas dicen que esta es una de las tantas dimensiones por las que se transporta el ilustrador en su mente.

Un dato curioso, cuando el ilustrador pasaba por la universidad hizo el primer boceto de esta obra para una materia llamada “dibujo II” y tuvo una confrontación con el profesor Varona y sus compañeros de clase, ya que el profesor solo quería que Adrian dibujara objetos reales, el mundo real, etc. Gracias a esto, inició una charla alrededor de Adrian donde todos le decían que el debía salir de esa “burbujita” en la que vivía y afrontar la realidad, cosa que le disgusto de gran manera, de inmediatamente Adrian se levantó de su puesto y explico porque nos le gustaba pintar de la realidad: “…detesto la realidad, la aborrezco, me parece algo demasiado disparatado, algo que no merece homenaje alguno, ¿ustedes me dicen que afronte la realidad y que creen q hago a diario? Todos los días nos encontramos con muerte, destrucción, corrupción, una deshumanización que día a día nos consume poco a poco, no estoy loco, eh creado un lugar donde puedo escapar de todo esto así como muchos otros lo han hecho, por ejemplo, que clase de mundo origina a un sujeto que es capaz de violar y matar decenas de niños entre 0 y 5 años de edad y luego arrancar sus rostros para hacer una gabardina, eso para mi no tiene lógica alguna, como es la realidad que afrontan todos esas familias recordando todo el tiempo como un extraño ser se llevo lo más preciado para ellos, …no, a esto nunca homenajearé, y llámenme como quieran, pero yo veo más lógica en los mundos fantásticos e imaginarios que en esta repugnante realidad…”.

Dejando atrás todos estos datos y acontecimientos, ahora nos dispondremos a mirar a través de esta ventana que AdrianshoW le dio como obsequio al mundo.

Análisis

La ilustración tiene un formato de 50x36 cm, está compuesta de láminas de acetato superpuestas, las cuales poseen diferentes dibujos adheridos a ellas, esto lo hizo el autor con la intención de lograr un efecto de profundidad, los dibujos, están hechos a base de tintas, acrílicos y lápices de colores. Bien, ya sabemos lo básico, profundicemos un poco más.

El TransOnirico

El autor hace referencia a los largos viajes que tuvo que hacer con sus padres a muy temprana edad.

Este dibujo nació de un sueño que tubo Adrian, soñó que se encontraba en con su hermano en una rara habitación, cuando salió se encontró con varios de sus amigos y descubrió que estaba en la cubierta de un gran barco de metal, cuando miro hacia abajo por uno de los  costados del barco vio que se encontraba viajando sobre las nubes, “… sin razón alguna y sin pensarlo dos veces me arroje hacia abajo, que resulto ser arriba…”.

Los Rastreadores

Con esto el autor representa las miradas que nos persiguen todo el tiempo con ansias de que cometamos un error.

Las Balas Perdidas

Esto hace alusión a todas esas balas perdidas que no se sabrá si es por simple coincidencia que siempre buscan el cuerpo de un niño para reposarse.

100 Pies

Este insecto representa los organismos que mas que benefactores parecen ser parásitos que lentamente van aniquilando lo poco que hay y que no les importa nada mas sino ellos mismos.

El Tiburón blanco

El tiburón es un animal solitario, peligroso, independiente, un animal que si deja de moverse muere inmediatamente, de piel gruesa y áspera, y que no puede cerrar sus ojos, unas cuantas personas que conocen a Adrian dicen que más que cualquier otro personaje, el tiburón refleja a su creador, llaqué muchas de las características mencionadas, según estas personas, las posee el ilustrador.

Las afirmaciones de estos espectadores puede que no sean del todo tan inciertas, Adrian ha pasado por muchas cosas en su vida y a sufrido experiencias por las cuales todo ser humano pasa, pero al ilustrador estas experiencias lo han marcado fuerte y profundamente, como por ejemplo, la traición de un mejor amigo, la muerte de un ser querido, el abandono sin razón, el irrespeto y el odio hacia el por parte de un viejo y querido amor, etc.

Adrian ha superado todo esto pero este proceso transformo un poco su exterior y forma de ser, como él dice, “me pasa una, pero no dos”.

Un Mal Chiste

Esto nos muestra una sociedad alterada, sin sentido alguno como dice él, cuyos habitantes entran en un pánico congelante e histérico a la vez que les impide ver la solución para salir del problema, y una bomba inestable de tiempo que no dará aviso alguno cuando emerja y que por más que se trate de disfrazar, sabemos que nada bueno saldrá de ella.

Quiénes son? Porque Son?

Esto acentúa las palabras e ideas del autor cuando se refiere a los anormales, incomprensibles, deplorables seres que está produciendo el sistema y la sociedad actual.

Es Una Trampa!!!

Esta son las trampas a las que nuestros hijos, hermanos, sobrinos, nietos están expuestos cada día, por ello debemos enseñarles y hacerles entender que no todo lo que brilla es oro.

Ahora Sí, Estoy Listo!!!

Este es uno de los personajes principales en la obra de AdrianshoW, con el niño, quiere representar la fragilidad interior de todo ser humano, la parte que más se alegra o sufre de nuestro ser dependiendo de la situación en la que nos encontremos y que por más que tratemos de ocultarla de una u otra manera siempre estará allí, pero, ¿ porque el niño esta disfrazado ‘, entonces es ahí donde entra el nombre de la obra, Adrian se remonta a esos días en su niñez cuando usaba el traje de Batman que le había hecho su mamá, que mientras lo usaba se sentía con la capacidad de hacer todo, cuando se encontraba en momentos difíciles, como una pelea de sus padres, una mala noticia, etc., este le brindaba ese apoyo para poder afrontar todo estos malos momentos.

Según el autor, todos tenemos ese algo que nos da la fuerza ese algo en el que nos sostenemos mientras atravesamos una tormenta, puede que ahora no sea un disfraz, una capa, un juguete, etc., pero sigue teniendo su misma función, así sea un pensamiento, un recuerdo, un ideal, una meta, este “objeto” como diría Freud, el padre del psicoanálisis, siempre se mantiene latente en el individuo.

Bastet / Luisa Fernanda Sánchez Henao

Bastet

técnica mixta

acuarela, acrílico y pastel sobre papel.

70 cm x 1 m. (sin terminar).

Inicialmente esta obra es llamada Bastet, refiriéndose a la antigua diosa egipcia también llamada Bast, esta diosa era la encargada de proteger los hogares y los campos, otorgaba felicidad y armonía, representaba la alegría de los egipcios, se representaba como un gato doméstico y como una mujer con cabeza de gato, cargando un instrumento musical ya que se creía que le gustaba mucho ver a los seres humanos danzando.

Bastet también era la protectora de las embarazadas, cuidaba a los niños, y se encargaba de mantener alejados los espíritus y las enfermedades.

Pero también Bastet era muy impredecible, y cuando ella se enojaba liberaba la fiera que llevaba adentro y se dice que su ira podría ser feroz pues se convertía en un gran leo verde.

Siendo su particular personalidad tan parecida a la mía, en este autorretrato se puede observar una combinación de mi rostro con un gato, los ojos principalmente son de un color verdoso porque en su mayoría los felinos tienen los ojos claros, penetrantes con el fin de transmitir serenidad y tranquilidad en las personas que vean esta obra, el cabello rojo representa la fuerza, la fiera que sale cuando nos enojamos, esta pintura fue elaborada principalmente en un deseo insaciable de expresar y plasmar emociones personales, donde también sobresale la belleza y sensualidad que tenemos las mujeres y a la vez la sutilidad y elegancia que poseen estos felinos. Tomando esta pintura como símbolo de delicadeza, armonía y sensualidad.

Al ir más allá de la estética superficial nos transmite una conexión con la naturaleza, un deseo de libertad.

En primer plano está la mujer, centrada, muy cerca para que el punto de enfoque sea ella, se ve el equilibrio y la armonía con su alrededor, los árboles y los arbustos que se ven en el fondo muestran y dan la sensación tranquilidad. Pero también está muy quieta porque se pretende mostrar que ella está al asecho esperando que será lo que pasara para reaccionar bien o mal ante ello.

En particular en esta obra se pretende apartar al ser humano de la urbanización, y llevarle una conexión y atracción por lo natural, e invitar a los espectadores a hacer una reflexión acerca de cómo es su yo interior, aprender a conocerse es muy importante para llevar una vida sana y equilibrada con nuestro alrededor y con nosotros mismos.­

Cultura Cíborg / Luis Fernando Giraldo



Cultura cíborg

Acrílico sombre lienzo 200x160cm
En proceso

 

Con este texto pretendo elaborar un análisis semiológico, identificar los diferentes niveles de significación, sus elementos, y  el contexto en el que se desarrolla un trabajo plástico de uno de los alumnos de tercer semestre de la  Universidad Tecnológica de Pereira, teniendo como base para este análisis semiológico textos de Román Gubern, John Fiske, Donna Haraway entre otros.

Lo ideal sería analizar la imagen desde un primer nivel, desde lo fenotextual, éstos serían los elementos figurativos dentro de la imagen, uno de los elementos figurativos es un personaje antropomorfo, un hombre elefante, de cráneo alargado, colmillos grandes, un moco característico de los paquidermos, carece de orejas, pero se logra distinguir un conducto auditivo, propio de los mamuts,  su torso es muy propio del  hombre moderno, está erguido, gracias a una columna vertebral, propia de los humanos, el resto de su configuración ósea y muscular es típica en el componente anatómico, pero denota un cuerpo grande y muy fuerte, volumen muscular amplio, esternocleidomastoideo prominente y grueso, diestro para sostener una cabeza grande y pesada, un trapecio propio de sujetos  fuertes, al igual que todos los componentes musculares de sus brazos, dorso y miembros inferiores. Sus manos poseen los pulgares oponibles, herramienta que le sirvió a la especie para crear y usar herramientas durante el recorrido evolutivo, posee cuatro dedos en lugar de 5 y sus patas, no son planas y alargadas, son cilíndricas, fuertes, de uñas amplias. Este ser antropomorfo está parado sobre una serie  de cuerpos, al parecer máquinas, con características humanas, como sus cráneos y componentes anatómicos, maxilar, tórax, manos, y brazos, pero deformes.

Otra figura con preponderancia en la imagen, es un Cíborg protegido por su armadura, en lugar de rostro tiene un cráneo, sostenido por placas que conforman su cuello, posee manos humanas, al igual que una columna que sale de la parte inferior de la armadura, ésta columna posee todas las características humanas, sus accidentes óseos, forma y posición, solo que al parecer ésta no es ósea, es metalizada; este ser artificial lleva algo en sus manos, una esfera que refleja en su interior la cuidad de tonos tenues en el fondo, pero la figura realmente importante allí es un feto,  de pocas semanas de desarrollo.

Todas estas figuras están sobre un fondo de cielo rojizo y perdido, seguido de una mancha que esboza una serie de edificios, todas estas manchas en una escala de grises y tonos muy tenues, que insinúan lejanía, además de una atmosfera densa que dificulta la visibilidad, estos elementos están sobre lo que simula agua, agua que refleja levemente la cuidad y el cielo y que llega hasta la escena primaria, donde están las figuras en un primer plano.

Este trabajo plástico ésta fuertemente influenciado por el manifiesto cíborg de Donna Haraway, este manifiesto trata el tema de la naturaleza humana de una forma muy compleja, desde muchos ángulos en ésta, hasta llegar al punto de la descomposición biológica, desarticular la fisiología y esencia humana, para reorganizar sus parte en pro de esa nueva esencia, feminismo socialista, marxismo, la explotación de la mujer, del hombre de bajo estrato, la problemática social, política e incluso lo edípico en la sociedad, su psicología.

Llevamos milenios pisando la superficie del que es nuestro planeta, viendo los cambios en él, siendo esparcidos en cada rincón, como la más eficaz bacteria o virus atacando el cuerpo del que es su huésped, lo hemos consumido, aprovechado y explotado por más de doscientos mil años de historia, si lo vemos desde ese ángulo nos parecemos más a un lentivirus, como el virus de inmunodeficiencia humana, que consume las defensas de su huésped de forma gradual hasta facilitar el ataque de otro ente externo que sí tenga la eficacia para acabar con todos los recursos y elementos de vida en éste, doscientos mil años de historia para llegar a ser una población de 1600 millones de habitantes a finales del siglo XIX  y en menos de un siglo triplicamos este número.

Actualmente somos más de siete mil millones de personas, consumiendo los recursos de nuestro planeta, aunque el hombre se supone es el único animal lógico, pensante y reflexivo bajo esta atmosfera, ésta ligado al desarrollo de actividades fuera de las necesarias, ésto  implican que debe  ir más allá de las necesidades básicas, “Asi las pinturas rupestres de las cuevas Chauvet (en Ardéche, en el sur de Francia, descubiertas en 1994), ejecutadas hace treinta mil o treinta y dos mil años, lo que las convierte en las más antiguas conocidas, representan animales (rinocerontes, osos, felinos) y raros híbridos de humano y bisonte, que infringen el principio del mimetismo óptico y cuyo significado solo puede ser simbólico” (Gubern), la pintura rupestre, esculturas como la Venus de Willendorf, donde se requiere de habilidades cognitivas especiales para crear, apoyado por tecnología, avances en la ciencia, en este caso pigmentos primitivos, el manejo de elementos escultóricos primarios; el hombre ha caminado por un sendero de ciencia desde que se separó de el instinto animal para volverse un ser reflexivo, pero el verdadero progreso de la ciencia y tecnología fue durante el pasado siglo XX, después de descubrir la composición y el apropiado uso de la materia y energía vino un gran progreso. 

Progreso armamentista, Hitler y el nacional socialismo una más de esas dictaduras de medio siglo, como el comunismo ruso, el régimen japonés, el fascismo italiano, pero esta se diferenció por algo muy especial, ciencia y sus avances tecnológicos, sin el desarrollo tecnológico creado, desarrollado y nacido en la Alemania nazi, posteriormente robado por la ocupación de los aliados (Estados Unidos de Norteamérica) y el ejército rojo ruso, tal vez no conoceríamos la ciencia moderna tal y como la conocemos.  Desarrollo tecnológico en cada campo conocido, ciencias duras, medicas, refracciones para nuestro cuerpo, la mecanización de extremidades, implantes cocleares que le pueden dar la capacidad de escuchar a un no oyente;  la medicina cardiovascular es relativamente nueva dentro de la ciencias  medicas, 60 años de progreso, en las que ya podemos encontrar implantes de polipropileno, para remplazar grandes vasos, como la aorta, angioplastias cirugía con las que se puede evitar una aneurisma, con solo acceder por un gran vaso, como las femorales, dejando como cicatriz una pequeña incisión; el reemplazo de las válvulas cardiacas, por biológicas de otros donantes ajenos a nuestra raza, válvulas equinas, porcinas, bobinas o mecánicas, incluso un reimplante total de corazón, por uno biónico, creado en su totalidad por la ciencia humana, de elementos totalmente artificiales, remplazos de cadera, rodilla, la reparación y reposicionamiento de hueso fracturados con placas, ahora podemos ver remplazos de tráquea, laringe y faringe, técnica desarrollada aquí mismo en Colombia; hasta hace un par de años pudimos evidenciar un trasplante de rostro, los avances de la ingeniería genética.

¿Es acaso aquí donde podemos aplicar el término de un humano artificial, biónico o falso? Es innegable que el crecimiento científico ha sido mucho, pero el planeta ésta pagando por nuestros actos despiadados, cada día lo consumimos más, en el siglo XX el planeta se calentó 0.5°c, pero en lo que va de este nuevo siglo hemos aumentado 1.°c, de acuerdo a los estudios  subiremos 1°c por década, sumando al crecimiento de la taza de población mundial dentro de 40 años no tendremos recursos para suplir las necesidades básicas y alimenticias, lo más seguro es que a este tipo de necesidades solo podrá acceder la clases altas y tal vez las medio altas. 

Donna Haraway introduce lo cíborg como algo real, algo que llama la atención es  la negación de lo que para la humanidad seria el templo de la trasferencia genética, de los  caracteres humanos, hablo del útero, la negación a reproducir los defectos de nuestra especie, la critica y la reflexión alrededor de la naturaleza humana es fuerte; la naturaleza es perfecta, es selectiva y solo los más aptos, los especímenes con los mejores genes son los que están presentes sobre la tierra, pero nuestra naturaleza es totalmente imperfecta, somos tal vez el único animal en este planeta que se permite reproducir sus defectos, el único animal al que se le permite parir y aun más preocupante criar un vástago  que no es apto para vivir en medios naturales, somos seres llenos de síndromes como el down o crouzon, donde a ellos mismo se les permite trasferir sus genes defectuosos a otra generación.

La negación del útero, donde lo ciborg solo toma lo mejor de una especie, para sí mismo, humana o animal, negando la naturaleza problemática, social y psicológica de nuestro ser, respetando un estatus jerárquico, para crear seres socialmente aptos, una utopía, la maquinización de un ser biológico.

El trabajo pictórico analizado está elaborado en una clave mayor media ¾ partes de grises, y una parte dividida para las sombras y las luces.  Denota una escena futurista y apocalíptica, connota la decadencia de un futuro próximo, desatado por nuestro estilo de vida y respaldado por nuestro conocimiento en las ciencias exactas, el ser antropomorfo es el mito de destrucción a lo último de la esencia biológica, los cuerpos muertos y descompuesto son el presagio de lo que nos espera, el feto dentro de la esfera simboliza el último vestigio de humanidad, dentro de esta escena, así este trabajo es una imagen de inconformidad al futuro al que nos estamos guiando, con las decisiones erradas a las que nos lleva el estilo de vida ególatra que lleva en este momento la cultura.

Vivimos en la era del desafío global, donde la palabra esclavo, ser sometido, la virtualización de nuestras emociones y necesidades, ésto es intrínseco de la globalización, buscando la perdida de la individualidad, convirtiéndonos en un trozo de carne que significa ganancia, actos que aumenta el malestar en la cultura, un malestar que si llega  aun punto de ebullición dará como resultado destrucción absoluta.

Tóxico Social / C. Alejandro Granada

"Tóxico"

Técnica mixta; Acrílico, Acuarela sobre papel + recortes (en proceso)

1m x 75 cm

Es importante mencionar las características denotativas que rodean el trabajo con fuerte intención gráfica y también rasgos que adquiere la imagen durante la elaboración pero también posteriores al acabado del trabajo; En términos pictóricos la técnica utilizada emplea colores fuertes y una gama de tonos vivos ( aunque la temática se acerca más a la muerte) y algunos elementos que pertenecen a la cotidianidad y a nuestro contexto, específicamente situados en el transcurso del tiempo a través de la vida e inevitablemente desencadenan en la pérdida de esta.

Cuerpos delgados e inmóviles casi inertes, ningún rastro de plantas en el escenario, lápidas, sequía y hambruna son los elementos principales de la composición, permite observar la escases de vitalidad dentro de la escena y muestra las condiciones paupérrimas de una cruda realidad de la que todos estamos cerca pero muy pocos se detienen a observar.

La sociedad se encuentra en descomposición, por la desigualdad, la extrema pobreza, el capitalismo, el abuso de autoridad, el hambre, la falta de educación pertinente, y algunas otras problemáticas que nos rodean; por eso en la obra se considera necesario transmitir un mensaje relacionado a todos estos hechos pero en una manera un poco más sintética a través de un instrumento muy flexible como lo es el surrealismo. Se observan formas anatómicas desde la parte superior derecha de la imagen relacionando un corazón  que ha dejado de latir bajo un sol muy tenue que representa disminución progresiva de la vitalidad del planeta. El cielo muestra una tonalidad mate con un color verde amarillo el cual se asemeja a un ambiente intoxicado por desechos nucleares  por lo cual en el pasado se han visto muchas víctimas y posiblemente hayan nuevas amenazas en el futuro.

En la parte derecha al interior de una especie de fantasma que tiene la silueta de una mujer, incomoda con el estómago vacío y en embarazo , esperando unos gemelos siameses víctimas de los genes, lo que en un sentido connotativo muestra que hay quienes  padecen enfermedades, mutaciones e innumerables problemas orgánicos que no solo afectan directamente sino también genética mente a través de las generaciones; degenerando la especie humana y creando seres que por su aspecto inusual para muchos pueden ser monstruos en la mal formada cultura contemporánea guiada por prejuicios.

Hay una representación simbólica a través del reloj de arena, quiere decir decadencia del pensamiento, ruina intelectual e ideológica, sabemos que la oligarquía se toma el mundo, manipuladores de la sociedad intentan meter por los ojos a la gente una vida falsa y unos anhelos que no tienen frutos, materialismo y superficialidad a través de los medios de comunicación vinculan a los jóvenes y adultos a un idealismo nublado que no tiene fin más allá de atrapar la sociedad bajo un manto de consumismo;  intentando conservar en las personas solamente lo aparente y por consiguiente dejando de lado las capacidades humanas y el ser de cada persona. En esto se está convirtiendo la cultura una paradoja en la que no escapa nadie porque ya todos nos encontramos demasiado vinculados a esta realidad desafortunada hasta para los más “afortunados”.

No encontré una manera más apropiada de finalizar la obra que ubicando un signo tan cercano la muerte como la cruz, o muchas cruces juntas que ante los ojos de cualquiera tiene gran variedad de significados, para la obra representa uno de los factores más perniciosos de la cultura global, la religión pretende atrapar las culturas y las encadena a seguir firmemente unos mandamientos que realmente ni los ministros de las iglesias cumplen, ni tampoco los que se acreditan como mayores seguidores de las reglas divinas como los presidentes,  gobernantes, fuerzas de autoridad, entre otros, prometiendo un porvenir bienaventurado en un sitio que nadie conoce, donde reina la tranquilidad y la paz con lo cual pretenden decir que en vida no pueden conseguirlas, o mejor no nos dejaran alcanzarlas  mucho menos bajo estos reglamentos que finalmente pretenden atrofiar la cultura y la mente de todos; y sus seguidores, que cegados ante un deslumbrante brillo no se dan cuenta la inmensidad de situaciones, compañías y cosas que tiene para nosotros la vida en la cual hay que disfrutar cada una de ellas ya que nadie sabe con exactitud cuando pueda terminar la historia. Todo esto convierte al ser humano en un en un tóxico para el planeta y a la cultura globalizada en un tóxico para la humanidad que se expande cada generación y se transmite a través de las ideas, las conductas, y enseñanzas mal enfocadas, los cerebros se están descomponiendo en nuestro contexto cultural, a través del tiempo esta quedando oculto bajo la arena lo poco existente de racionalidad y conciencia humana que queda.

       

Camuflaje / Daniela Acevedo Salas

"El arte es contemplación. Es el placer de penetrar la naturaleza y adivinar en ella el espíritu que la anima".

Auguste Rodin

Para comenzar quiero mostrar el vínculo entre arte y naturaleza, la cual consiste en que el primero, en su afán de imitar o expresar, puede llegar a copiar o fantasear esta segunda, sin embargo, esta explicación no es suficiente, tiene que haber algo más, porque de lo contrario cada individuo podría con un ordenador y por medio de ciertas ecuaciones, realizar una obra de arte, y ese algo es la fuerza del artista, la misma fuerza que hace crecer un árbol. El artista es, pues, el que tiene esa particular capacidad de percibir el interior de la naturaleza, como decía Platón, es capaz de "hacer visible lo invisible" y de manifestarlo en su obra; es ver a través de las apariencias, y en esta obra se visualiza claramente esa unión con la naturaleza.

La autora de esta obra reside en Colombia, un país rodeado de zonas verdes, de campesinos y habitantes que trabajan en el cultivo y en la agricultura para subsistir, posee gran diversidad cultural y es uno de los países más ricos en biodiversidad del mundo; menciono este tema para mostrar el contexto socio-cultural que vive la autora, para poder hacer un análisis más profundo de esta obra llamada “camuflaje”, que muestra una belleza misteriosa, la belleza de la naturaleza, que como Van Gogh, consigue ver expresión, e incluso alma, en toda la naturaleza.

La obra está compuesta por colores tierra, predominando el café, las partes que la componen son hojas secas, organizadas de tal forma que da la impresión de que ahí hay un lagarto, pero no cualquier lagarto sino uno parecido a las primeras eras del mundo. Esta imagen es tanto bella en cuanto a la forma con hojas, e inquietante por su forma que es poco usual; muestra lo primitivo del mundo, de la naturaleza y de los seres humanos. Sus hojas no son plantas vedes ni llenas de vida, todo lo contrario se ven secas, siendo estas símbolo de agonía, de inconformidad y desespero.

La cabeza del animal está constituida por una hoja seca grande en el fondo, seguida por un tronco del cual le sale moho, encima del tronco se observa una hoja roja y una verde simulando un ojo, cerca a la punta de la cara en dos extremos una flor marchita de color gris casi negra, que igualmente simulan unos ojos; en esta parte de la cara donde al parecer el animal tiene tres ojos se puede pensar que es una mutación. La autora trata de mostrar una deformación seguida de una transformación bella, donde quiere expresar que hasta el más feo elemento de la naturaleza tiene algo de bello, de que se debe de ver la belleza desde otro ángulo.

El cuerpo o cuello de este extraño animal se despliega del tronco de la cabeza, es una hoja alargada, café, doblada, este es un cuerpo o cuello un poco delgado para su cabeza, y a la vez muy alargado. En esta parte de la obra se puede percibir una especie de canoa o barco que lleva en su interior tres pequeñas y verdes hojas, las únicas de este color en la obra, dando la apariencia de que es una parte del cuerpo que ningún animal tiene o un órgano que no se desarrolló, pero igualmente  por el motivo de estas estar en el centro pueden representar el nacimiento de la vida y los seres humanos en la tierra, ya que las hojas verdes son un símbolo de nacimiento, de renovación y de transformación. La hoja alargada está atravesada por un tronco que no se visualiza bien y que por lo que se ve, una parte se une a la cabeza y otra se sale de la hoja; tiene al lado de las hojas verdes una flor similar a la de la cabeza parecida a pelos, estas ramas muestran sequía.

La última parte que nos queda parece ser el resto de su cuerpo y sus extremidades, está compuesta por una hoja café, cuya forma es agradable pero al parecer tiene un extremo quemado o dañado; esta hoja se une al resto del cuerpo por un delgado tallo, y de esta hoja salen cuatro hojas más, cada una con una forma diferente, hay dos que se visualizan bien y otras dos que solo se ven en una parte. Esta parte del cuerpo del lagarto muestra que está acostado, que es un animal que se arrastra.

 

Toda la obra es una bella y rara naturaleza, esta dividida en tres secciones que poco a poco van teniendo una evolución hasta llegar la hoja más grande que es la cabeza del lagarto, mostrando así la trasformación de la naturaleza, de los animales, del universo, de cómo poco a poco se va formando una hoja, un ser, o un planeta hasta tener forma y composición. El fondo de la obra es primordialmente blanco pero hay unas pequeñas manchas alrededor de la imagen que representan lo particular que es el mundo, es decir, la forma única que tiene cada elemento que esta en él,  pero no solo del  mundo sino de todo lo que lo rodea especialmente las personas, donde cada persona tiene una propia personalidad única e irrepetible; esas pocas manchas pueden representar la creación como el fruto mas hermoso que se hizo en el universo, un espacio donde no hay fondo ni fin, un espacio universal donde todo esta puesto de forma coherente y por una razón.

Vicios / Jaime A. Tobon

Es una serie de dos cuadros, que a travéz de la imagen, iconos y simbolos, hace una evocación a una de las grandes problemáticas de la sociedad moderna, y el máximo causante de muertes accidentales, este es el alcoholismo.

Vicios I (50x35cm)

La idea de esta serie surge en base al trabajo investigativo sobre los orígenes de la botella de vino, haciendo apuntes (dibujos) y estudios de la luz y la sombra. En el primer cuadro de la serie, la luz y la sombra serán un tema clave, no tanto en lo connotativo del color sino en lo denotativo. A partir de estos estudios surge el primer cuadro.

Este dibujo fue realizado con grafito y lápices de color, de hecho unos matices casi imperceptibles (es decir una técnica mixta), sobre cartulina opalina. Vemos en su composicion, un árbol de manzanas, el cual atraviesa la superficie, de derecha a izquierda. Del cual cuelgan tres botellas de vino vacías (con diferentes diseños) y un maniquí de madera (este es el unico objeto coloreados). Cada objeto sujeto con un cordel, vemos que el primer cordel, el del maniquí tiene un nudo de horca. finalmente el fondo es un cielo totalmente nublado que cruza en forma diagonal en la composición.

La idea se gesta a partir de la historia del Árbol de la Vida, El cual se ha representado como un árbol de manzanas, y cuyo fruto contenía el conocimiento del bien y del mal (Libro de Génesis. Biblia). Entrando a hacer una lectura del cuadro, entendemos que las botellas de vino, en este caso son el fruto y que el maniquí colgando de la horca simboliza la muerte. Las botellas vacías y destapadas nos dan un indicio de que el fruto fue consumido (y la razon por la que aun cuelgan, es para tener un genotexto más explícito). No es por redundar, pero hay que aclarar que la botella es un contenedor de vino, y el  vino (y el consumo excesivo de este) ha sido un ícono simbólico de el alcoholismo durante muchos siglos atrás. Vemos que el diseño de cada botella es diferente, esto es porque son de epocas diferentes; queriendo dar a entender, que cada una es un icono de una epoca diferente, como tratando de hacer una suerte de  recorrido histórico.

Es entonces cuando aparece la imagen de el maniquí como un símbolo de la muerte, específicamente es un suicidio (la horca tambien figura como una imagen símbolica de esto). Esta imagen nos significa, la autodestruccion a través  de…

El fondo nublado contrasta el drama de la escena. Fue colocado de manera intencional, en base a una parábola que habla hacerca de “un cielo cubierto de bronce” (Conferencia: Situación límite Dante Gebel) donde la desesperanza, los sueño y las ilusiones no tienen vuelo. Es un cielo que le da una atmosfera densa a la imagen y que evoca el alma del ser humano sumido en el vicio.

El Vicio y la muerte se balancean junto con el viento, de la misma manera en que se mueven las olas, y que en muchas ocaciones son las provocadoras, de las tormentas del alma.

Con el mismo eje temático, se realiza el siguiente cuadro de la serie, con unas cuantas diferencias. 

Vicios II (50x70)

Realizado con grafito, lapices de color y tisas pastel, sobre papel. Tiene una composición de tipo axial, lo que le da un toque de armónico a la imagen. Son tres elementos  los que narraran el texto que contiene la imagen. Estos elementos son dos botellas verdes de vino, se encuentran vacías, puestas verticalmente, y un esqueleto humano en posición horizontal, con un cigarrillo en la mano (que normalmente es confundida con un dedo), del cual se eleva una corriente de humo azul.

En esta ocasión se la imagen se presenta de forma cómica, podemos percibir que el esqueleto sonríe y que su cabeza tiene una leve elevación, como si estuviere orgulloso. Es evidente que la posición del esqueleto no es normal, es decir, está posando, es una pose icónica de una modelo, se puede decir irónicamente que es una posición erótica, pero ya que no nos produce nada de eso, esta imagen se queda en el plano de una parodia. Agregando picardía, al tener un cigarrillo en su mano, no uno cualquiera, ya que el humo del cigarrillo es de color azul. Este cigarrillo con humo de colores en realidad no existe como producto comercial, normalmente se ven imágenes colgadas en la web –hechas en Photochop- (buscar en google: cigarrillos con humo de color). El humo de color le da un toque de excentricidad, además de conectarse más con el entorno, con la época moderna, donde lo excéntrico, lo llamativo y lo que brilla, es modificado para el consumo.

La obra tiene un rigor compositivo y significante, en cuanto la posición del esqueleto es horizontal y la posición de las dos botellas son verticales. Damos por sentado de que este esqueleto es el símbolo de la muerte, aunque de cierta manera se encuentra vivo, y con esto último que le queda sigue consumiendo; la posición horizontal siempre ha connotado  un grado de debilidad, ya que es una postura en la que se descansa y/o se reposa. Las botellas de vino de tamaño descomunal, y propuestas verticalmente dan una sensación de superioridad y de grandeza, el vicio derrotando al ser humano. Vemos que no es una botella sino dos, nuevamente nos encntramos con el tema de los excesos (en estudios de psicoanálisis realizados por Jaques Lacan, habla sobre los excesos y que estos son provocados por la sensacion de goce, para explicar aquello que se repite y se repite tanto que se llega al abuso).

Hay un rasgo que se repite con respecto al dibujo anterior, y es el espacio de fondo. En este caso un espacio vacío, con imágenes rígidas y sencillas, apenas nos dan indicios del espacio, como lo es el rincón detrás del esqueleto, o el rectángulo detrás de la botella. La sombra que hay en el piso, que dennota que no están flotando, que estan sobre una superficie rígida. Este espacio es una suerte de espacio onírico.

El espacio y las botellas son el significado último, que es el vacío, un vacío con el que todos nacemos y que dependiendo de con que se llene este vacío, nuestra vida tomará un rumbo u otro.